Obra Original

Gladys Farro

El tema fue hombre, naturaleza y tecnología; mi forma de expresarlo en esta obra fue intentar lograr que una tela de origen natural rodeara al cuerpo de tal manera que fuera un capullo, para demostrar de alguna forma que la naturaleza está en todo nuestro alrededor, pero de la misma forma la tecnología está atacando al hombre, y lo plasme con lo plateado que le estampé a la tela de lana.

Ana Ramos

Es originaria de Lisbon, Portugal, actualmente vive en Panama. Hace “freelances” de Ilustraciones y diseño gráfico y está muy enfocada en la sustentabilidad. Ha trabajado para clientes de Europa, América del Norte, Centro y Sur. Algunos de sus clientes han sido Unilever, Geota, Universidade Autónoma de Lisboa, Rosa& Teixeira (Portugal), Levend Beriker & Associates (Turquía) Alta Bering (Canada) ev+pp Arquitectos (Argentina).

Se pueden ver y hasta comprar algunas de sus obras en www.airdesignstudio.com sus precios varían al igual que sus técnicas, ha hecho bordados, diseño sobre papel, pinturas, ilustraciones, entre otras. 

Obra Cézanne; Montaña Santa Victoria

En sus obras, Cézanne intentó conseguir la representación naturalista, la expresión personal y el orden pictórico; manifestó un interés progresivo en la representación de la vida contemporánea, pintando el mundo como sus ojos lo veían. Luchó por desarrollar una observación auténtica del mundo visible a través de método, ordenaba lo que veía en formas simples y planos de color. “Quiero hacer del impresionismo algo sólido y perdurable como el arte de los museos” decía, subrayando su deseo de unir la observación de la naturaleza con la permanencia de la composición clásica. 

Es característico en sus obras las pinceladas repetitivas, sensibles y exploratorias. Pequeñas pinceladas que junto con planos de color se conjugan para formar campos complejos, expresando al mismo tiempo las sensaciones del ojo que observa y una abstracción de la naturaleza observada. Quería ofrecer una visión auténtica de la realidad, y para ello observa los objetos distintos puntos de vista, lo que le lleva a representarlos desde perspectivas diferentes simultáneamente. Estaba interesado en la simplificación de las formas que ocurrían naturalmente a su esencia geométrica.

“Todo en la naturaleza se modela según la esfera, el cono, el cilindro. Hay que aprender a pintar sobre la base de estas figuras simples; después se podrá hacer todo lo que se quiera. Cézanne, 1904.

"Montaña Santa Victoria desde la carretera de Tholonet."

Entre los paisajes más apreciados por Cézanne es la montaña Sainte-Victoire su preferida, en esta como en muchas de sus obras, podemos observar como la montaña es el centro y lo más importante de la obra, La obra está compuesta de un entramado de líneas cubiertas de una gran paleta de color aplicadas rápidamente y distribuyendose en trazos amplios que le abren camino a los cubistas. Tiene una gran variedad de color, verde, azul, amarillo, naranja, y todas sus gamas posibles. Esta obra es exactamente lo que refleja ser un post impresionista, el pincel mas relajado y una imagen que te hace sentir estar viendo el lugar en persona, una imagen de algo que los ojos de alguien mas vieron y quisieron compartir con quienes apreciáramos sus obras. Se encuentra en el museo de Hermitage en San Petersburgo, óleo sobre lienzo, mide 78cm x 99cm y se hizo del año 1896 a 1898. Con esto no nos queda mas que darnos cuenta que estos artistas son una gran fuente de inspiración, son apasionados hacia lo que aman y entregados a su trabajo y sus creencias; creencias que cambiarían toda una era del arte. 

Paul Cézanne

"Paul Cézanne"
19 Enero1839 - 22 Octubre 1906

Pintor francés postimpresionista, considerado el padre de la pintura moderna, cuyas obras establecieron las bases de la transición entre la concepción artística hacia el mundo artístico del siglo XX. 

Estuvo en la Academia Suiza, una academia privada en la que trabajaba con modelos del natural, no había exámenes ni lecciones, todo para la École des Beaux-Arts; donde conoció a Guillaumin y a Camille Pissarro. Admiraba al pintor romántico Eugène Delacroix. Gustave Courbet y Édouard Manet que exponían obras de estilo y temas chocantes para sus contemporáneos. La polémica entre el arte oficial y los nuevos pintores llevó a la creación del Salon des Refusés en 1863 donde se mostraban obras no aceptadas en el Salón de París de donde fueron también rechazadas sus obras. El Salón rechazó su Retrato de Achille Emperaire, por entender que era inaceptable al no respetar la perspectiva ni la corrección anatómica, juzgándolo "en el límite de lo grotesco".

En 1870, cuando estalla la guerra Franco-Prusiana, Cézanne dejó París para ir a L´Estaque, evitando así el alistamiento, pero fue declarado prófugo  pero la guerra duró un mes más y Cézanne y Hortense volvieron a París en verano.

Cézanne se describió a si mismo como el alumno de Pissarro, refiriéndose a el como "Dios Padre" y diciendo "Todos provenimos de Pissarro". Expuso en la primera muestra impresionista celebrada en el estudio del fotógrafo Nadar en 1874. En 1877 intervino en la tercera muestra impresionista celebrada en la calle Pelletier con dieciséis obras, entre acuarelas, bodegones, paisajes, y un retrato del coleccionista Chocquet entre otras. Sus pinturas provocaban hilaridad, indignación y sarcasmo. Desde 1890 hasta su muerte, sucedieron acontecimientos perturbadores que le hicieron aislarse más, dedicándose en exclusiva a la pintura, tuvo diabetes y Hortense y su hijo Paul regresaron a vivir a París mientras el se fue a Provenza, con su madre y hermana. Un año mas tarde, volvió al catolicismo y sostenía que “Cuando juzgo el arte, cojo mi cuadro y lo pongo junto a un objeto obra de Dios como un árbol o una flor; si desentona, no es arte”. En 1895 celebró su primera exposición individual con cien lienzos. Organizada por Vollard, promocionó con gran éxito durante los años siguientes, logrando que subiera su cotización. En 1897, muere su madre, y se reconcilia con su mujer. Sus pinturas se hicieron bien conocidas y buscadas y obtuvo el respeto de una nueva generación de pintores. El 22 de Octubre de 1906, muere de neumonía a causa de verse atrapado en una tormenta mientras trabajaba, y durante dos horas siguió trabajando debajo de la lluvia; fue enterrado en el antiguo cementerio en su amada ciudad natal de Aix-en Provence. 

Huipil

Huipil de Algodón.

Las mujeres acostumbran llevar huipiles cortos de algodón, metidos dentro del enredo, otros son mas largos y lucen por fuera. Existen varias diferencias entre el huipil de uso diario y el ceremonial, ya sea de algodón o de lana, varía la calidad y cantidad de los diseños brocados en las prendas de distintos lugares. Las tejedoras acostumbran brocar la tela con diseños geométricos o con figuras humanas en hilos de seda o artisela y adornos de listones. En el Bosque, las artesanas hacen los huipiles de manta industrial, les bordan figuras geométricas en el cuello y las mangas con hilo preferentemente de color rojo. Las tejedoras forman la prenda con dos lienzos, acostumbran bordar las uniones con randas o diseños de flores pequeñas o lineas azules. 

Antes de la conquista lo usaban en todo el territorio mesoamericano, tanto las mujeres del pueblo, como las nobles. Hoy en día el huipil se acostumbra en el sur del país en los estados de Chiapas, Yucatán, Quintana Roo, Oaxaca y Guerrero, así como en la zona cercana a Tehuacán, Puebla; en Amatlán de los Reyes, en Veracruz; en Tetelcingo, Morelos; Tuxpan, Jalisco y en ciertos pueblos de la meseta tarasca michoacana.

Huipil de San Mateo.

El huipil consiste en una tela rectangular, doblada a la mitad, con una abertura para la cabeza y generalmente cosida a los lados, dejando sin unir la parte superior, para formar la bocamanga. Está formado por uno, dos o tres lienzos unidos por costuras –las telas se usan tal como salen del telar, sin cortes, ni alforzas– que lo entallan al cuerpo. A esto se llama un vestido no confeccionado. Se emplea algodón y lana y a veces se combinan ambos materiales. Ocasionalmente se entretejen partes de seda, artisela o plumas como adorno. Actualmente en algunos casos la manta, la popelina o alguna otra tela industrial han sustituido a los paños tradicionales elaborados en telar de cintura.
Tanto el huipil, como las demás prendas de vestir, ya sea femeninas o masculinas son elaboradas por las mujeres, a veces con bordados sobre telas industriales, pero más frecuentemente en telar de cintura.
El telar de cintura, considerado por muchos un instrumento “primitivo”, permite la mayor cantidad de técnicas, algunas de las cuales no se pueden lograr con ningún otro tipo de telar más sofisticado y automatizado.

Dentro del corte básico del huipil, existe una gran variedad de modelos: los hay cortos, que apenas llegan a la cintura y otros que cubren hasta los tobillos. Entre estos extremos hay de todos los tamaños. Muchos de los huipiles clásicos son más anchos que largos, aunque durante los últimos años se nota una reducción de la anchura de la prenda.  El escote puede ser redondo, ovalado, cuadrado o simplemente una incisión vertical, apenas suficiente para dejar pasar la cabeza. Hay huipiles que son abiertos de los lados, en otros se cosen solamente unos cuantos centímetros en la parte inferior y otros más tienen la bocamanga muy angosta.
Salvo en algunos casos de huipiles muy largos que se usan como prenda única, se suelen combinar con un enredo o una falda de pretina. La mayoría de las veces cae suelto, a veces se amarra alrededor de la cintura y en otras más se mete debajo del enredo o falda, a modo de una blusa.
La distribución de los adornos hace con frecuencia énfasis en rayas horizontales, en otras se acentúa más la ornamentación vertical; algunos huipiles bordados son cubiertos completamente con dibujos. En ocasiones el ornato se concentra alrededor del escote, ya sea solamente en el lienzo medio o prolongándolo sobre los hombros. Además los huipiles se adornan con listones formando dibujos alrededor del escote, uniendo los lienzos o simulando pequeñas mangas.
Los motivos bordados o entretejidos de los huipiles pueden ser geométricos, otros representan figuras humanas, de animales o de plantas. Aunque para el observador extraño es a veces difícil interpretar el significado, para sus hacedoras cada ornamentación tiene su simbolismo. Por todas las características anotadas que son tradicionales, pero distintas en cada pueblo, se puede saber de dónde es originaria una mujer, simplemente observando el huipil que porta.
La importancia del huipil como indumentaria femenina es extraordinaria y denota la gran destreza y creatividad empleada en su manufactura. Sobre todo, señala la voluntad de seguir siendo indígena y el orgullo de su cultura particular.

Bibliografía:

Tesis: Origen, evolución, y uso actual del huipil Oaxaqueño. Ana Paula Fuentes Quintana. México DF. 2001, Universidad Iberoamericana

Tesis: Análisis de la Indumentaria Ceremonial y del Huipil Tzotzil, Paula Priscila Gonzales Castañeda. México DF. 1999, Universidad Iberoamericana.

Manuel Félguerez.

Nace en 1928 en Zacatecas. Estudió en la Esmeralda, pero se educó en la UNAM en el departamento de Artes Plásticas; en Paris trabajó con Ossip Zadkine, formado en el cubismo que Manuel ha rechazado con todas sus fuerzas. De regreso en México, rompe con el muralismo mexicano y se embarca en la Generación de Ruptura con Vicente Rojo, García Ponce y Lilia Carrillo, con quien se casaría un poco mas tarde; pero después de quedar viudo, contrae matrimonio con Mercedes Oteiza, ex esposa de García Ponce. Mas tarde fue a la Universidad de Cornell en EUA, luego a Harvard y emprendió otras actividades artísticas y culturales. Sus distinciones son variadas en Francia, Nueva Delhi, Sao Paolo; recibe la beca Guggenheim, es Premio Nacional de Artes en México y creador emérito por el sistema de Creadores de Arte en México. Ha hecho pintura y escultura, y combinó la escultura con el mural, lo que nos remite al Renacimiento Italiano; luego da un paso firme del informalismo hacia el constructivismo. 

En Octubre del 2007 se presentó la escultura Puerta 1808 en la Ciudad de México. Manuel Felguérez inaugura el abstraccionismo en México. 

Manuel Felguérez

Es uno de los más poderosos ejemplos de la voluntad de permanecer fiel a las exigencias auténticas del arte sin cerrarse al momento actual, pero también oponiéndole la verdad del artista cuando éste lo considera necesario. Ha explorado siempre hacia adentro las infinitas posibilidades de los medios de expresión propios a su oficio, buscando utilizarlos como artista mediante el difícil propósito de ponerse a su servicio. Es el resultado de artistas como el, transformar el poder de sugestión de los materiales en un orden armónico, a través del cual ellos cobran nueva vida y se convierten en expresión del libre y estricto ejercicio de la imaginación del creador. De este modo, la pintura y escultura de Felguérez son un acto de afirmación personal; pero en el cobran realidad y se ofrecen a la contemplación. No es difícil ver que Felguérez es un artista en el que la imaginación está regida por el concepto y éste encarna, se hace vida y presencia en la obra, gracias a ella. De ahí el rigor y la libertad de sus cuadros. El artista se deja herir por toda clase de estímulos; pero los somete a las normas de su propia concepción. Guiados por la persistente elaboración de los signos y las formas que hieren su imaginación, encontramos en ellas la personalidad íntima de un creador que está haciendo continuamente el mismo mundo, aunque algunas veces éste se nos presente grave y cerrado y otras se abra al alegre estallido del color. Tenía una segura sensibilidad en el tratamiento del color y era capaz de despertar sus más secretos matices en inesperadas combinaciones, subrayadas por la sensualidad de la materia, esta sensibilidad permaneció sojuzgada en la mayor parte de sus creaciones posteriores. Su pintura, pesadamente material, se hizo casi estática en su geométrica celebración del espacio. Después, este estatismo se vio roto bruscamente por el libre ritmo de la pincelada, por el movimiento continuo de los planos que se entrecruzaban y mezclaban con auténtica violencia.

Ante la continua invasión de las “construcciones” que pretenden sustituir el lenguaje propio de las artes plásticas en el cuadro, Felguérez se ha vuelto totalmente al lado contrario. Sus obras son una afirmación que no ignora las exigencias que la época impone sobre él, sino que, las enfrenta directamente. Sus cuadros resultan ejemplarmente revolucionarios por su carácter conservador, retraído de los llamados de la moda. En ellos sólo nos habla el mundo mismo de la pintura, el color, la forma, la cerrada armonía de cada composición, siempre extrañamente viva y directa en el encuentro de sus trazos envolventes, en la pareja vitalidad de colores, en la súbita aparición de un ritmo sorprendente que, al inmovilizarse, se convierte en gesto; pero nos habla desde la continua capacidad del creador para darle nueva vida, para enfrentarlo con una sabia conciencia en la que el lirismo se somete al concepto sin perder su fuerza animadora y cada efecto, cada posible combinación formal o cromática, busca cerrarse dentro de una respuesta total en la que el artista muestra el poder de la creación como organismo ordenador. En cada cuadro de Felguérez, se recupera la posibilidad de la creación al tiempo que se expresa una sensibilidad que no sólo confía en sí misma, sino que se entrega como respuesta a cualquier sustitución. 

Es un artista cada vez más refinado y consciente, más libre y profundo, capaz de convertir en realidad y hacernos ver continuamente su secreta relación con la forma y su poder para darle nueva vida, sino que también afirma la imperecedera existencia del arte.

Bibliografía: 

Derroteros Manuel Felguérez, Teresa del Conde, 2009

Nueve Pintores Mexicanos, Juan García Ponce, Pértiga, 1968

Un Picasito de los Noventa

"Un picasito de los 90"

Es una obra semi abstracta, es un cuadro basado en las pinturas de Picasso, pero con influencia en los colores neon que se usaron en los años noventa. Principalmente es una abstracción de un tigre que había dibujado anteriormente, es por eso que se ven los ojos de un tigre justo en el centro del cuadro, de ahi hacia arriba están las cejas y hacia abajo la boca, de alguna forma las lineas siguen este patrón que llevan los tigres, o al menos lo que yo percibo. La técnica que usé fue pastas de acrílico sobre un lienzo de tela, mezclado con piedrecitas de mármol que le dan un poco de textura a la obra. Es un juego de líneas que fueron mi inspiración en el momento de hacerlo y al pintarlo.

Romanticismo

"El Infierno"
William Blake

El romanticismo en una época. La palabra <romántico> nos ayuda  a definir el carácter de un artista. Es una cultura que se manifestó en diferentes técnicas como la pintura, la escultura, la poesía, la moda y la arquitectura. Se dice que este movimiento surgió en el año 1764 cuando Horace Walpole escribió el primer relato de terror después de haber tenido una pesadilla espeluznante; sin embargo fue en el siglo XIX cuando tuvo su gran apogeo.

Para entender un poco mas a fondo acerca este o cualquier otro tema de arte, hay que investigar un poco sobre lo que es la iconografía, que es la rama de la historia del arte que se preocupa del tema, materia o el significado de los trabajos  de arte, al opuesto a su forma. En iconografía, el significado de una expresión se puede clasificar junto: significado primario o natural. Es por eso que la iconografía como el arte van de la mano con la personalidad ya sea del artista y del observador que la analiza. “Personalidad: Todo lo que rodea al objeto, época, nacionalidad, forma de vida, etc.” En todos los periodos históricos han habido artistas que han apelado nuestras emociones mediante analogías. Entre el clásico y el romanticismo, no hay mucho cambio, de hecho son solo cambios técnicos, sombras mas detalladas por ejemplo. El clasicismo y el romanticismo siempre coexistieron y se solaparon en los artistas de primer orden. Los románticos decían que “el arte debe suscitar emociones, en particular la emoción del miedo, para ellos la fuente de lo sublime.” Pero Winckelmann los debatió, ya que el dijo “La belleza se parece al agua pura y cristalina sacada de una fuente límpida, la cual será tanto más saludable cuanto menos sabor tenga.” Pero el arte que se sometió a esta doctrina fue casi desprovisto de interés para nosotros. 

Es discutible que el movimiento romántico se manifiesta por primera vez como expresión del miedo. Burke: “Todo aquello que sirve de alguna manera para excitar las ideas de dolor y peligro, es decir, todo lo que es de alguna manera terrible, es fuente de lo sublime.” La mayoría de los artistas románticos, lo que buscan expresar en su iconografía artística, es por lo general brujas, torturas, naufragios, asesinatos, o retratos de gente poderosa. Ingres: “El dibujo es la probidad del arte.”

Algunos de los artistas mas reconocidos en el romanticismo son: Millet, Poussin, Rafael, Jacques-Louis David, Jean-Jacques Rosseau, Piranesi y Fuseli, Goya, Degas, Ingresi, Blake, Gericault, Delacroix, Turnex, Constable.

"La Libertad Guiando al Pueblo"Delacroix

Fuseli.

Para poder analizar y entender la obra de cualquier artista a fondo, debemos saber un poco de su historia. Fuseli nació en Zurich en 1741, fue ordenado sacerdote de joven, pero el se rebeló ante las autoridades y se vio obligado a abandonar Suiza, así que se fue a Inglaterra, tiempo después fue a Roma, donde fue reconocido como maestro de lo sublime. Nueve años después regreso a Inglaterra y sus subliminales <modernas>, eróticas y extrañas tuvieron buena acogida en medio de las pelucas inglesas. Lo nombraron profesor de dibujo de la academia de Londres. Fuseli, por su sarcasmo, mundanalidad y belicosidad se convirtió en una institución nacional, y a diferencia de algunos personajes que nos “escandalizan” en nuestros días, este lo siguió haciendo hasta el final. Su ambición se puede resumir en una frase: traducir los episodios más dramáticos de Shakespeare al lenguaje pictórico de Miguel Angel. Macbeth era su obra central, y los críticos debatían sin cesar sobre la prioridad de lo sobrenatural.

"Las Tres Brujas"
Fuseli

  

Las Tres Brujas.

A mi pensar esta obra, refleja en su máxima expresión los puntos que Fuseli manifestó en sus obras, como el miedo, terror y lo sobrenatural.

“No me atrevo a afirmar que su famoso cuadro de las tres brujas que representaban dichos personajes sobre la tablas, es innegable que posee un sentido del drama visual que no se reduce, ni mucho menos, al simple elemento descriptivo, al igual que sus innumerables dibujos de Macbeth y de las brujas evidencian a menudo una profunda fuerza imaginativa.” Clark Kenneth.

El posicionamiento de tres seres, tres brujas siendo personajes temibles para la época, tanto con sus habilidades, el control y el poder, la comunicación con lo natural y lo sobrenatural teniendo  el arte e imposición hacia lo oculto.

Directamente en la obra vemos como cada uno de los personajes muestra rasgos físicos de las famosas brujas “las narices puntiagudas”, los dedos chuecos como representando una especie de artritis y vejez siendo personas de sabiduría y conocimiento aprendido a través de años, vestimenta la cual cubre sus cuerpos para no ser vistas por el mismo temor a la sociedad, y ocultas en un fondo negro donde reflejan su soledad y la abstracción del mismo cuadro; encontrados en un sitio inexplicable para los que tratan de encontrar algo conocido o familiar.

Al mismo tiempo vemos el destello de luz que aparece al lado de una de las brujas involucrando la fuerza y poder que estas pueden tener con algo tan fuerte como la misma muerte, o un ser del inframundo.

"Saturno Devorando a sus Hijos"Goya

Conclusión.
La época del Romanticismo es a mi gusto, una época de aceptar, aceptar la realidad como los artistas de esa época la aceptaron, es una forma de ver la vida diferente a lo que estamos acostumbrados, es una época que llega al inconsciente de quien la observa, y analiza, aparte de ser completamente terrorífica ya que en la mayoría de las obras que observamos de esa época transmiten miedo, te están queriendo gritar lo que el artista quiere expresar, pero cada quien tiene una percepción diferente, y todas son válidas.

Bibliografía.
· La Rebelión Romántica, Clark Kenneth, 1903, Alianza Editorial.
· Studies in Iconology, Erwin Panofsky, 1972, Icon Editions.

Apreciación o Realidad...

Artesanía & Arte...

¿Cual será la diferencia entre artesanía y ARTE?, ¿Será la misma que diseño y ARTE?, ¿O tal vez sea la misma que moda y ARTE?.... La respuesta no la sabemos, lo que sabemos que es arte es únicamente lo que esta expuesto en un museo... no lo que tiene trabajo y técnicas, todo lo que podemos considerar arte viene de algo que ya hemos visto, pero que sin embargo el lienzo en el que este grabado o la piedra de la que se esculpió, ha sido observado, analizado y ha causado una tormenta en nuestras mentes, todo lo que vemos como arte tiene una explicación por delante y una historia completa por detrás, toda obra de arte debe de ser capaz de hacerte pensar y analizar si te cuenta algo o simplemente estas viendo puntos y lineas unidos para hacer un diseño sin futuro... 

Desde mi punto de vista, esta obra, desde la imagen es una obra de arte, ya que a mi me está haciendo sentir algo, es un trabajo que lleva mucha investigación de fondo, es una artesanía de Tepoztlán, que desde los bordados de sus diseños te remontan a donde fueron hechos, los sentimientos que están tratando de expresar, de alguna u otra forma son fáciles de ver por medio de los colores que ésta representa. Gillo Dorfles dijo: "El ambiente y la experiencia se impone y el artista tiene en su acervo mental el universo simbólico, esta red simbólica corresponde a la experiencia humana, por eso el ser no es un animal racional, es un animal simbólico y tiende a reaccionar de forma racional o conceptual." Otro autor dice: René Berger en su libro "Modos de ver", que la vista es un sentido vital para la experiencia estética, "La vista establece nuestro lugar en el mundo circundante, ya que llega antes que el habla y su importancia radica en que puede entrar en relación con la memoria colectiva que permite interpretar, descodificar así como reaccionar a ciertos estímulos que las palabras no cubren por completo." Es por eso que yo considero a los artesanos como artistas natos, ellos no tuvieron que ir a una escuela de arte para aprender las dimensiones de una obra, sino que desde pequeños van desarrollando sus habilidades para demostrar las experiencias que han vivido por medio de obras artísticas, que son sus artesanías. Yo considero que es básico como observador de arte, analizar las artesanías, empezando por las mexicanas que son nuestra historia y nuestra cultura, y siguiendo con las artesanías de todo el mundo, ya que ellas expresan, te hacen sentir y hasta revivir cualquier historia de nuestros pasados.

Presentacion

Mi nombre es Gladys Farro, tengo 23 años, estoy en mi ultimo semestre de la carrera de diseño textil. Entre a diseño textil pensando que me iba a dedicar a la moda, mientras pasaba el tiempo me fui interesando mas en la mercadotecnia asi que me fui a Nueva York y a Paris a tomar cursos sobre fashion marketing y merchandising. Hace 4 meses tuve la oportunidad de trabajar con indigenas mexicanas, y asi es como me veo en un futuro, aprovechando mis conocimientos para ayudar a las manos mexicanas. Mi meta a corto plazo es terminar mi carrera en diciembre y empezar a viajar por las zonas rurales de mexico para investigar y conocer nuestra cultura a fondo, trabajar y crecer la empresa para poder irme a algun lugar fuera de mexico a hacer mi maestria en mercadotecnia y crecer las manos mexicanas alrededor del mundo.